Entrevista con Augustin Hadelich: Beethoven y Strads

por Laurie Niles · 18 de octubre de 2012

Beethoven, los Stradivarius y las virtudes de estudiar despacio

Mientras el violinista Augustin Hadelich estaba en Los Ángeles para tocar con la Los Angeles Chamber Orchestra, tuve el placer de sentarme a charlar con él durante el almuerzo, entre el ensayo y el concierto (pasta antes de una actuación, me dijo. ¡Y sabía mucho de pasta!).

Esta noche Augustin interpretará la «Sinfonía española» de Lalo con la Filarmónica de Nueva York en el Avery Fisher Hall (18, 19, 20 y 23 de octubre), y después viajará a Houston para tocar el Concierto n.º 2 de Bartók con la Houston Symphony. El resto de su agenda está en su sitio web.

Ganador del International Violin Competition of Indianapolis en 2006, Hadelich ha pasado los últimos seis años recorriendo el mundo. Hijo de padres alemanes, creció en una granja en Italia. Entre sus grabaciones figuran Flying Solo, con obras para violín solo de Bartók, Ysaÿe, Paganini y Bernd Alois Zimmermann, y Echoes of Paris, con obras de Poulenc, Stravinsky, Prokófiev y Debussy, interpretadas junto al pianista Robert Kulek. Durante el verano, Augustin colaboró con el guitarrista Pablo Sáinz Villegas en obras de De Falla, Paganini, Piazzolla y Sarasate para una grabación que saldrá el próximo marzo. El próximo verano tiene previsto grabar los conciertos de Thomas Adès y Sibelius con la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, bajo la dirección de Hannu Lintu.

En Los Ángeles, Augustin contó que disfrutó trabajando con el director Jeffrey Kahane, que también es un consumado pianista (de hecho, ¡tocaba el Concierto para piano de Ravel en el mismo concierto!).

«Tuvimos una reunión de 30 minutos y repasamos algunos pasajes. Se sentaba al piano y se lo pasaba en grande tocando la reducción para piano».

«Creo que todas las veces que he tocado esta obra ha sido con orquesta sinfónica, no con orquesta de cámara», dijo Augustin sobre el Concierto para violín de Beethoven. Por supuesto, es una obra que puede interpretarse con cualquiera de las dos formaciones, pero muchos de los problemas de equilibrio que surgen en una interpretación sinfónica típica sencillamente no se daban con una orquesta de cámara.

«Todo el enfoque es distinto», dijo. «Es bastante fácil ser flexible con el tempo, porque (los músicos de cámara) están muy acostumbrados a escuchar. Con una gran orquesta sinfónica, si quieres mover el tempo, es dificilísimo. El director puede hacerlo, pero no es fácil, porque a veces el director lo hace y los músicos ni siquiera se dan cuenta. Por supuesto, hay momentos en la obra —algunos de los grandes tutti, los grandes clímax— en los que tener el sonido pleno de una gran orquesta es increíblemente bueno. Así que puede funcionar de varias maneras».

Encontrar el tempo es uno de los mayores retos del Concierto de Beethoven.

«He cambiado de opinión muchas veces. A veces he tocado con directores alemanes mayores y severos que lo quieren muy, muy lento, y puede funcionar. Se vuelve algo de otro mundo, sereno», dijo Augustin. Por otro lado, «si solo miras la introducción orquestal y piensas en qué tempo debería ir, sin pensar en el resto de la obra, llegas a un tempo mucho más rápido que el que toca la mayoría». Cuando entra el violín y toca esos temas, están ornamentados y llenos de pasajes. «Creo que el error que cometen muchos violinistas, y que yo también cometía, es intentar tocar esa ornamentación de forma melódica. Creo que entonces se atasca, de repente tienes que tocarlo mucho más lento y pierdes la gran estructura».

Así que durante un tiempo probó a tocar la obra al tempo de la introducción. «Fui a por todas, y era realmente rápido. Se convierte en una obra muy distinta», dijo. «La verdad es que después me quedé bastante insatisfecho. El problema era que, de algún modo, se sentía inquieto. Ya no tenía la profundidad, ni el tiempo y el espacio».

Hoy busca un punto intermedio: lo bastante rápido como para lucirse y dar al oyente una idea de la estructura general, pero lo bastante lento como para mostrar el carácter etéreo y la paz de la obra.

«Tenía unos ocho años cuando empecé a tocar el Beethoven», dijo Augustin. «De niño no entiendes en absoluto a Beethoven. La parte de violín está muy expuesta, así que es muy útil haberla tocado durante tanto tiempo. Aunque hay pasajes que nunca se vuelven más fáciles. Es una de esas obras que puedo tocar cien veces seguidas sin cansarme. Es una obra preciosa».

Desde hace unos dos años, Augustin toca el Stradivarius «Kiesewetter» de 1723, cedido por la Stradivari Society.

«Es un instrumento magnífico, sonó bien desde el principio, pero acostumbrarse a su sonido es un proceso», dijo. «El que tenía antes (el Stradivarius ex-Gingold) era muy diferente».

La mayoría de los Stradivarius son bastante caprichosos, y en los últimos seis años Augustin se ha convertido en un estudioso del arte de tratar un Stradivarius con delicadeza. En cuanto a la producción del sonido, «no puedes apretar demasiado y tienes que usar suficiente arco», sobre todo con los Stradivarius más tempranos.

El «Kiesewetter» es de un periodo posterior y «de algún modo es más resistente. Atraviesa cambios de humedad y temperatura, y a veces suena un poco mejor, a veces un poco peor, pero la diferencia no es tan grande como para que el público note nada; lo notas como intérprete. Cuando estás realmente en apuros, por ejemplo si tocas en la peor sala posible o la orquesta suena demasiado fuerte, tienes la opción de exigirle, de apretar, y realmente tiene una reserva que puedes sacar para que suene incluso mejor. Es bastante bueno como instrumento de solista».

«Y creo que tiene un sonido muy bello y más colores que el otro», dijo. «No es tan dulce, así que cuando tocas música que no siempre es simplemente bonita —cuando tocas Shostakóvich, o compositores que escriben música sobre los lados feos de la vida—, necesitas poder obtener colores realmente distintos, y eso era muy difícil con el otro. ¡Era tan dulce todo el tiempo!».

¡Como el señor Gingold!

Para conseguir una respuesta rápida, con el ex-Gingold cambiaba las cuerdas más o menos cada diez días. Descubrió que las cuerdas Vision Titanium daban la respuesta más rápida, aunque no el sonido más bonito. «Sigo usando esas cuerdas en este, pero ahora puedo dejarlas un mes y sigue sonando bien. Responde».

«A aquel Stradivarius de Gingold tuve que domarlo, por así decirlo. El sonido que sale en las grabaciones es precioso: cuando no tienes problemas de equilibrio y puedes poner el micrófono muy cerca, tiene un sonido bellísimo. Me encantaba. Tenía que ajustarlo constantemente». Es decir, acabó llevándolo a su luthier todas las semanas.

«Ella estaba a la vuelta de la esquina en Nueva York y era muy amable», dijo. «Simplemente lo revisábamos. A veces pasan cosas, como grietas o juntas que se abren. Dependiendo del estado del violín o de cuánto tiempo hace que se hicieron las reparaciones, puede ocurrir con bastante frecuencia. Cuando entra suciedad en las juntas, se vuelven a abrir muy rápido. Además, con cada pequeño cambio de tiempo hay que volver a ajustar el alma».

«Con el que tengo ahora voy tres veces al año. Casi no le ajusto el alma, porque suena bien incluso cuando está desajustado. Es muy estable. Me ha hecho la vida mucho más fácil».

Aun así, el ex-Gingold era especial. «Fuera adonde fuera, en cada orquesta, en cada lugar, había un alumno de Josef Gingold que se acercaba y quería ver el violín», dijo Hadelich. «Todo el mundo quería muchísimo a Gingold, y el violín realmente suena como sonaba él. Es un instrumento bellísimo, y tengo que decir que aprendí mucho sobre cómo tocar con él: cuando luchas, encuentras la manera de sacarle realmente el máximo en cada momento y aprendes a tocar con todo el arco, algo que no necesitas en todos los violines. Es interesante: si observas a Oistrakh, usa mucho arco en el final del Beethoven. Él también tenía un Stradivarius temprano que no proyecta mucho, así que lo compensaba un poco».

Hadelich también aprendió a lidiar con el «lobo», cuando una nota concreta de la cuerda sol tiende a quebrarse al tocarla y suena como una rana cantando ópera.

«El violín que tengo ahora normalmente no tiene lobo, solo si hace un tiempo realmente malo», dijo. «La mayoría de los violines tienen un lobo en el si, el do o el do sostenido, en ese registro, y lo noto en este violín: las notas siempre son más delicadas cuando subes por la cuerda sol. Pero si es lo bastante estable, las tocas y normalmente no tienes problemas. Ahora bien, cuando el lobo es muy fuerte, puede aparecer en todas las cuerdas, en esas mismas alturas en la cuerda re o en la cuerda la. Tiene que ser la misma altura: sea cual sea la nota del lobo, puedes tenerlo también en re o en la».

Este es el secreto para manejarlo:

«El Gingold tenía un lobo en el si natural de la cuerda sol. Si tocas una obra como Tzigane, donde esa nota aparece mucho, tienes que encontrar la manera de que la nota responda. En realidad es posible. Puedes compensarlo con la presión y la velocidad del arco. Es difícil empezar directamente en la nota del lobo, pero si llegas a ella desde otra nota, haces que la cuerda resuene de verdad en la nota anterior, sea cual sea, y vas aumentando el sonido, la presión y la velocidad del arco, entonces, si pasas a la nota del lobo y lo mantienes igual, o lo reduces, no te hará la jugada del lobo. Pero si aumentas, o si al pasar a la nota del lobo por alguna razón el sonido se corta y tienes que volver a empezarlo, entonces sonará “lobuno”. Ahí no puedes hacer un buen crescendo. Es cuando se vuelve realmente delicado: si aumentas la presión o la velocidad del arco sobre el lobo. Así que el truco es que normalmente llegarás a ella desde otra nota de la cuerda sol: haces que la cuerda resuene muchísimo, luego tocas el lobo un poquito más suave, o simplemente te relajas un poco sobre él, y todo irá bien. Si tienes que empezar en la nota del lobo… hay una manera de atacarla: la atacas y luego la sueltas. ¡Pero una vez que empieza a aullar, se acabó!».

Augustin se ha dado cuenta de que, con tantos viajes y tantas actuaciones con distintas orquestas, ha tenido que cambiar su rutina de estudio.

«Mis métodos de estudio cambiaron un poco durante el último año, porque tuve una tendinitis en uno de los dedos», dijo Augustin. «Antes nunca calentaba ni nada parecido. Siempre estudiaba solo a tempo y no más despacio». Cambiar de obra con frecuencia —tocar Sibelius una semana y Mendelssohn la siguiente— le provocaba estrés, lo que generaba tensión en la mano.

«Una semana me pasé de verdad y de repente tenía tendinitis», dijo. «Durante un tiempo no pude estudiar mucho, pero seguía teniendo conciertos. Así que empecé a estudiar muy despacio. De repente descubrí que en realidad tocaba mejor, aunque estudiaba muy poco. Hice dos cosas: estudiaba muy despacio y repasaba la obra mentalmente. Miraba la partitura y la recorría. Así, mi idea de la obra, de cómo interpretarla y estructurarla, era mucho más clara. Y estudiaba despacio… ¡ahora entiendo por qué la gente siempre dice que hay que estudiar despacio!» (Sonríe).

«Por supuesto, ahora el dedo está completamente bien», dijo. Pero se ha vuelto más consciente de las señales de alarma. «Aprendí a detectar cuándo había tensión al tocar. Ahora la evito mejor. Había ciertos momentos de la obra en los que me tensaba. Si los estudiaba un poco más, o los estudiaba despacio, ya no necesitaba estar tan tenso».

«Antes pensaba que si estudias algo a un tempo más lento, solo mejoras tocándolo a ese tempo», dijo. «Hay algo de verdad en eso: cuando lo tocas más rápido, todo es diferente. Si algo no funciona, puedes ralentizarlo y averiguar qué pasa, o hacerte una idea más clara en la cabeza, pero también es importante estudiar a velocidad real».

«Al mismo tiempo, puedes mejorar mucho un pasaje estudiándolo despacio. No supone ningún esfuerzo para la mano», dijo. «Así que eso se ha convertido en una parte importante, y ahora también caliento cuando empiezo a tocar por la mañana».

«Me sentí realmente tonto cuando me pasó el año pasado, porque no se debía a mi forma de tocar el violín en general; no era nada importante que tuviera que cambiar, sino simplemente cosas que son, por así decirlo, de sentido común», dijo. «Cuando eres muy joven, no es imprescindible calentar antes de tocar. Coges el violín y todo funciona. El cuerpo es muy resistente. Y en algún momento simplemente tienes que… ¡calentar!».

«Incluso las cosas muy difíciles, tu mano PUEDE hacerlas de forma relajada si las estudias», dijo. «Cuanto más rápido es el pasaje, menos tienen que presionar los dedos la cuerda, y eso puede eliminar mucha tensión cuando hay algo muy rápido». Por ejemplo, en la Sinfonía española de Lalo, una obra con muchas notas rápidas: «Muchas veces los dedos simplemente no necesitan bajar del todo. Cuanto más rápido es el pasaje, y cuanto más agudo, menos tienen que bajar. Eso también puede eliminar mucha tensión».

Y otra cosa: «Es importante disfrutarlo: estás ahí arriba durante 40 minutos, deberías amar de verdad esa experiencia», dijo Hadelich. Por ejemplo, en el Beethoven: «Cuando empieza la introducción orquestal, intento pasarlo bien y disfrutar del hecho de estar tocando una de las obras más bellas jamás escritas».

Hadelich tocó el Capricho n.º 24 de Paganini como bis en Los Ángeles; aquí hay una interpretación en directo de 2010 en Saarbrücken (Alemania):

Comentarios de lectores en Violinist.com

Comentarios seleccionados del artículo original, traducidos por Meistervioline.

Paul Deck · 19 de octubre de 2012
Magnífica entrevista, como siempre. Quiero escuchar más a este violinista. La entrevista me dio una idea para un anuncio clasificado: «Se vende violín fabricado en Italia por Stradivarius. Sonido magnífico, pero necesita cuerdas nuevas cada diez días y visitas semanales al luthier para seguir funcionando; además, conviene tener tanta técnica de sobra como para adaptarse a sus sutiles exigencias. A precio de ganga: 4 millones de dólares».

Timothy Lessler · 20 de octubre de 2012
¡Gracias por esto! Tuve la suerte de ver al señor Hadelich tocar el Brahms con la Sinfónica de Nashville y estuvo espectacular: ¡qué técnica y qué pasión! Si tienen ocasión, no dejen de verlo en directo. Tengo muchas ganas de ver hasta dónde puede llegar y llegará en su carrera. Disfruté mucho leyendo esto.

Traducción: Meistervioline

© Copyright by Violinist.com. Publicado originalmente en: https://www.violinist.com/blog/laurie/201210/14052/

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